REVIEWS
By –Marc Medwin In Moment’s Notice, December 2025
Barry Guy + London Jazz Composers’ Orchestra
Harmos Krakow
Maya MCD2501
In her meditative Gilead tetralogy, Marilynne Robinson has Jack Boughton musing momentarily over what would happen if the miraculous became normal. In his memory, Jack’s father observes that miracles are a kind of commentary on all else. As Barry Guy’s Harmos tune spins its wistfully familiar thread, as it morphs, divides and recapitulates in this new concert performance by the London Jazz Composers’ Orchestra, I wonder about these matters of context, just how repetitions can differ so fundamentally, so miraculously, without really differing at all. Here, on multiple levels, we audition repetition on a vast plane, the 50th anniversary of this landmark and much beloved ensemble captured in a 2020 performance of perhaps its most appreciated work. Yet, so much has changed, not least so many of the performers and the spirit they bring to the colliding and coexisting components of a Barry Guy composition.
The miracle is in the seed. If, as Bert Noglik astutely observes in his notes to Ode’s reissue, that LJCO debut is a manifesto, Harmos (1988) is a summation. It codifies all supposed incongruities into a unity, in language, of form, structure and intent. It has done well on disc, where this is its third iteration, not to mention on DVD, also to great acclaim. As with so many pieces that eschew all categories while sitting adjacent to many, the decades bring what I’ll call stabilization. Even the most difficult of innovative pieces, like Boulez’s Le Marteau Sans maître, has demonstrated that familiarity with the idiom now affords performers the chance to perceive and perform layers initially obscured by exuberance. Harmos now treads this path. Dig how the wedge-like ensemble passages emerge from the dueting trombones of Alan Tomlinson and Konrad Bauer, and, as annotator John Sharpe states so beautifully, from “jittery crashes and thorny improv.” Atoms merge to form lines, and the lines intersect, something akin to harmony bolstering Agustí Fernández’s wriggling ascent. Immediately, dizzyingly, gorgeously layered as in a Charles Ives symphony, the theme, that gorgeously rolling edifice spun out toward the infinity its possibilities simultaneously incapsulate and refute, pervades everything surrounding it.
How to describe it as it rests, now newly tranquil amidst the soloistic interjections, the conjoined vocabularies elucidating transgenerational improvisation? In 1988, it disrupted and depicted in equal measure, a quaint vibrato sometimes infusing its core as to inject whimsy. In 2003, in trio formation with Marilyn Crispell and Paul Lytton, its disruption conjured something classico-romantic, especially after the blistering “free” collectivity preceding it. In 2020, it adopts a character somewhere between chorale and post-Takemitsu meditation. This version of the LJCO brings to it the serenity of “Small Town Agonist,” a pivotal moment from Carla Bley’s Escalator Over the Hill, itself an infamously large amalgam of amalgams. The drone beginning at 6:06 is breathtaking as it grounds and supports saxophonist Jürg Wickihalder’s wise rendering of the melody, leading ultimately to the work’s first series of shattering climaxes, prefigurations of the final moments, outcroppings increasing in intensity until the fanfares momentarily breaking the mood at 11:20.
If the above descriptions seem to connote a lack of innovation and invention in this performance, nothing could be further from the facts. The form’s malleability leaves wide openings for all manner of creative investigation, from atomistic schism to bits of raw blues, like the understated saxophone at 14:42 as it negotiates its way around the chorale, itself soon to be exultantly dispelled. Yet, through all the rapid-fire changes, some astonishing in their parenthetical rupture, like the shallow dive into sonic revelry at 16:26 or the sudden plunge into the warm waters of cabaret at 28:22, that sense of layered subtlety remains, rendering the extraordinary blissfully ordinary as each section meets the next. It affords the opportunity to hear the various chamber ensembles embedded in the piece, like the incendiary duets dotting the craggy second half. The timing is perfect. As lines between individuality and collectivity blur and disappear, the “coming together” of Harmos’ title, and the true measure of Guy’s conception, become abundantly clear. While every soloist performs way beyond expectation, it is especially gratifying to hear the brilliant, muted trumpet work of Martin Eberle. The glee he whoops and growls back at Phil Wachsmann is infectious, and the blast they’re having is palpable. The increasing conflations render it impossible to describe the way a simple trio, emerging around the 30-minute mark, lays the groundwork for the indefatigable give and take delineating the concluding series of climaxes. Of course, Guy, Bruno Chevillon and Lucas Niggli anchor the piece through all its mutations and returns, as plentiful as they are diverse.
Ives might not be a bad point of comparison. Guy’s composition might actually best be likened to the New Englander’s 4th symphony. Within any restrictions form might impose, irrepressibility of syntax in all manifestations reigns supreme. As with Ives, Guy’s compositions and playing form a unity of purpose that bridges micro and macrocosm. Comparing the two Intakt CDs demonstrate just how tight a ship Guy runs. The 1989 recording has a timing nearly identical to this one, but the radical actions and felicities of improvisation obviously determine both form and structure. The overarching impression this new rendering leaves is one of beauty, of that gorgeous thematic material at the music’s heart being played with such maturity, such grace and power. Each return brings an ache to the throat, a sting to the bridge of the nose, the revisitation of an old friend. Nothing has changed, or is it everything? Time’s passing and orchestral regeneration ensure a continued convergence of performing traditions. Commitment and power nevertheless persist in that long-nurtured balance. This multifarious continuity might be the greatest of all miracles.
By Hans-Jürgen Linke, Frankfurter Rundschau , December 2025
Freiheit und ihre Strukturen
Barry Guy hat „Harmos“ neu eingespielt.
Zusammenfügen, verbinden, vereinen. Und natürlich denkt man, wenn man das Wort „harmos“ hört, auch an „Harmonie“. In der Schweiz gibt es unter diesem Titel sogar eine interkantonale Vereinbarung über die Harmonisierung der obligatorischen Schulen, aber das meinte der Wahl-Schweizer Barry Guy vermutlich nicht, als er vor über 35 Jahren einer Komposition für das London Jazz Composers‘ Orchestra (LJCO) diesen Titel gab. Die Komposition „Harmos“ ist mit einer prominenten Besetzung der späten 1980er Jahre im April 1989 erstmals auf Tonträger eingespielt worden. Das LJCO feierte damals seinen 20. Geburtstag. „Harmos“ wurde in den folgenden Jahren mehrfach aufgeführt und hat sich zu einer der meistgespielten Kompositionen Barry Guys mit dem Ensemble entwickelt. Es ist ein Stück, in dem – dem Titel gemäß – vieles zusammengeführt wird zu einer Idee eines Aufbruchs, in dem komponierte und improvisierte Elemente, Neue Musik und Jazz koexistieren, in dem unterschiedlichste Musikertemperamente ihre Plätze finden, Kleingruppen-Konstellationen und das große Kollektiv einander im Wechselspiel durchdringen und in dem ein enormer Fundus an neuartigen Klangvorstellungen realisiert wird – ein Konzept zukunftsweisender musikalischer Meinungsfreiheit. Dass das Stück mit seinen Improvisierenden im Laufe seiner Aufführungsgeschichte in ständiger Veränderung begriffen ist, versteht sich von selbst.
Nach Krakau eingeladen
Das LJCO hat inzwischen mehr als fünf Jahrzehnte, viele Veränderungen der Besetzung und orchestrale Neugründungen –
etwa des „New Orchestra“ und der „Blue Shroud Band“ – Barry Guys überlebt. Zum 50. Geburtstags des Orchesters hat das polnische Label NotTwo das LJCO nach Krakow eingeladen, wo es an drei Konzertabenden Jubiläum feierte. Zur Band gehören heute Mitglieder aus sieben Nationen, die eine neue Version von Guys „Harmos“ einspielten. Barry Guy, Jahrgang 1947, hat während all der Jahrzehnte seiner eindrucksvoll multiplen Karriere stets auch in kleineren Formationen oder solo improvisierte Musik gespielt. Seit den späten 1980ern hat er sich mit seiner Lebenspartnerin Maya Homburger, einer der bedeutendsten Barockviolinistinnen der Gegenwart, und in englischen und irischen Ensembles mit der authentischen Aufführung alter Musik auseinandergesetzt. Die Erlöse dieser Phase erlaubten es ihm, das eine oder andere wertvolle Instrument zu erwerben, die er dann wieder verkaufte, um die Arbeit mit dem LJCO zu finanzieren. Jetzt also wieder: Harmos. Auffällig ist vom ersten Augenblick an die Klangfülle und die intensive Freude am Melodischen. Hier und da klingt alles verbindlicher ausgearbeitet als ehedem, der Überschwang erscheint in einer überschaubareren Ordnung. Das könnte damit zusammenhängen, dass die Musiker und Musikerinnen der jüngeren Generation im LJCO eine fundiertere akademische Ausbildung habe als die Pioniere der freien Musik im Ur-LJCO. Der enorme Ideenreichtum, die windungsreichen Wege durch kompositorisch verarbeiteten Widersprüche, die oft geradezu atemberaubende Verbindung von Fülle und Feinsinn erscheinen wie gesteigert – als würden Guys kompositorische Entwürfe noch einmal multipliziert. Die Musik will kein Neuland erobern: Das Neuland ist ein weiträumiger Schauplatz, auf dem sich das LJCO der Gegenwart eingefunden hat. Alles ist anders geblieben.
Jazz Podium , December 2025 - Top 3
By Manfred Papst
Barry Guys gut vierzigminütige, Komposition «Harmos» ist ein Glücksfall im weitverzweigten Oeuvre des mittlerweile 78-jährigen britischen Kontrabassisten: Sie zählt zu seinen zentralen und zugleich zu seinen zugänglichsten Werken. Erstmals eingespielt wurde die Suite 1989 für das Label Intakt mit Grössen wie Paul Rutherford, Howard Riley und Barre Phillips, die alle nicht mehr unter uns sind. 2012 veröffentlichte das gleiche Label auf DVD einen Live-Mitschnitt des Werks vom Jazzfestival Schaffhausen.
Als das London Jazz Composers Orchestra , eine der führenden Grossformationen im europäischen Jazz, im März 2020 sein 50-jähriges Bestehen feierte, versammelte Guy das verjüngte Ensemble für drei Tage im polnischen Krakau. Die 17 Musiker probten und konzertierten in verschiedenen Teilformationen, bevor sie sich zu einer triumphalen abschliessenden Aufführung von «Harmos» zusammenfanden. Die Mitschnitte der drei denkwürdigen Tage erschienen 2022 in einer 6-CD Box auf dem polnischen Label Not Two. Glücklicherweise haben Guy und seine Lebenspartnerin, die Violinistin Maya Homburger, sich nun entschlossen, “Harmos-Kraków” als Einzel – CD neu herauszugeben. Aufgenommen wurde das Werk im Saal des Krakauer Manggha Museums. Die Tonqualität ist exzellent.
Die sinnliche Musik lebt von der Spannung zwischen den expressiven Beiträgen der Solisten und dem dichten Zusammenspiel im Geist des Ganzen. Trotz seiner melodischen, harmonischen und rhythmischen Vielfalt ist «Harmos» mit seinem berückenden Barock-Thema ein Werk aus einem Guss. Alle Beteiligten geben als Solisten und Teamplayer ihr Bestes. Pars pro toto hervorgehoben seien hier Michael Niesemann und Jürg Wickilhalder am Saxophon , Andreas Tschopp und Alan Tomlinson an der Posaune, Rich Laughlin an der Trompete und Lucas Niggli am Schlagzeug.
JAZZ N’MORE – TIPP
September / October 2025
By Jürg Solothurnmann
BARRY GUY & THE LONDON
JAZZ COMPOSERS ORCHESTRA
Harmos – Kraków
Der Engländer Barry Guy hat nicht nur als eloquenter Solist und Improvisator Geschichte gmacht. Er ist auch ein fantasievoller Komponist und versteht es, Neue Musik mit Free Jazz und orchestrale Schreibweise mit der freien Improvi-
sation kleiner Gruppen zu verschmelzen. Mit seiner Komposition ”Ode” entstand auch das ”London Jazz Composers Orchestra”, und ein paar weitere richtungsweisende orchestrale Werke folgten. 2020 wurde in Krakau eine dreitägige Feier zum fünfzigsten Geburtstag des LJCO begangen und gekrönt mit der Aufführung und vorliegender Aufnahme von Guys drittem orchestralem Stück ”Harmos” (1989). Es wird ausgehend von der Big Band weitgehend von Bläsern dominiert und ist inspiriert von ”unlimited and limited” (1947), einem auf der CD-Cover abgebildeten Ölbild des Malers und Architekten Max Bills. Guy hat es gedeutet als ein Wechselspiel zwischen organisierender Begrenzung (komponiert) und der kreativen Freiheit (kollektive und Solo-Improvisation).Diese attraktive Gestaltung mit Gegensätzen kann in ”Harmos” immer wieder entdeckt werden. Von den prominent gewordenen meist britischen Musikern von 1989 sind viele abgetreten und werden ersetzt von jüngeren aus sechs Nationen, auch von den Schweizern Jürg Wickihalder (as), Andreas Tschopp (tb), Marc Unternährer (tu) und Lucas Niggli (dr). Die ersten vier Minuten gehören den drei Posaunisten, die theatralisch rumoren. Melodisch, ja hymnisch und ergreifend wird’s mit dem Solisten Wickihalder, der sich bis ins Freie steigert und zu dem sich dann schrittweise weitere Bläser gesellen. Das tonale, mehrmals wiederholte Thema ”begleitet” und kontrastiert dabei das geräuschhafte Altsaxophon. Es folgt ein origineller Teil mit Bläser - Staccati, die immer wieder abbrechen und neuen Anlauf nehmen. Der Stil bleibt immer Free Jazz. Die weiteren Episoden sind oft expressiv, turbulent und benutzen markante Übergänge. Besonders die Abschnitte mit Tschopp, Rich Laughlin (tp) und Unternährer stechen heraus; die Intervention des einzigen Streichers Phil Wachsman (v) setzt einen ruhigen Kontrapunkt. Wenn sich nach 28 Minuten der Pulverdampf verzieht, erscheint wieder ein tonaler Teil mit Fernández und Wickihalder, der überkippt in eine wilde Improvisation von Torben Snekkestad (ss) mit Niggli. Dahinter kehrt immer deutlicher wieder die Hymne aus dem ersten Teil zurück und führt zum leuchtenden Ende.
By Rigobert Dittmann, July 2025
BARRY GUY with the LONDON JAZZ COMPOSERS ORCHESTRA Harmos-Kraków (Maya Recordings, MCD2501): ...'Harmos' bringt das orchestrale A und O des LJCO voll zur Entfaltung, wobei sich die hymnische Glasur von Guys Glanzstück – in seiner Zürcher Fas- sung 1989 und der Schaffhausener 2008 – weiterhin dem individuellen Input verdankt. Der Startschuss fällt, zwei Posaunen ziehen vorneweg, das Hauptfeld attackiert impulsiv, aber summt auch schon das hymnische Thema, wehmütig gedämpft. Wickihalder greift es auf und trägt es über dunkle Tieftöne hinweg, mit mehr und mehr kollektiver Zustimmung, Woge für Woge – die berauschende Melodie schreit ja geradezu danach, sie mitzuschwelgen, mitzusingen. Blaskapelliges Schmettern wechselt mit elegischem Moll, das Stringwahwah und ein Saxsolo infiziert. Ein tubabepulster Marsch räumt das ab und macht im Vorwärtsdrang eifernd die Bahn frei für eine versponnene Posaune (Tschopp), gepresste Trompetenstrahlen (Laughlin), tonloses Fauchen, rotziges Bariton. Dahinter schreitet und rennt die Banda weiter, hymnisch und staccato und mit wuchtigen Tuttistößen, eine Trompete kräht (Eberle), die Geige kratzt und pickt, trommel- und pizzicatoumwirbelt, Reeds flackern, die Tuba röhrt, Fernández hämmert. Und plötzlich klärt sich alles, ellingtonesk aquarelliert wie in alten Zeiten, mit verliebt-verträumtem, immer überschwänglicherem Alto (Niesemann) und Piano. Sprudelnd und immer wilder krachend entsteht wieder ein kollektiver Taumel, aus dem Snekkestads Soprano trillernd heraussticht, mit dicken Backen umjoggt, bassistisch traktiert, von Niggli furios umklappert. Sanft setzt dazu die Hymne wieder ein und versetzt nochmal, Welle für Welle, alles in festliche Wallung. Wer da nicht seine mageren Fäuste wie Antennen zum Himmel reckt und mit emporgetragen wird, denen ist nicht zu helfen. Wie Guy das nur fertigbringt – durch Noten, Conduction, Absprachen, Eigeninitiativen? – , dass das LJCO, statt bigbandsteif, so organisch, polymorph, in sich bewegt und lebendig klingt? Von wegen Fizzles, er steht ebenso für Illumination, freie Radikale und blauen Horizont. Selbstzitat Ende. Was ich zu „Kraków 2020“ (MW1027-2, 6xCD) in BA 117 schrieb, gilt uneingeschränkt auch für die Einzeldarbietung dieses Prachtstücks von Guy. [rbd
by Mario Borroni , 14 septembre 2025
BARRY GUY - LONDON JAZZ COMPOSERS ORCHESTRA
HARMOS - KRAKÓW
Harmos, hymne de quarante-trois minutes, fut enregistré par Peter Pfister les 4 et 5 avril 1989 au Radio Studio DRS de Zurich pour être ensuite édité en CD par Intakt. Barry Guy imposait alors un style identifiable, ce qui, pour une grande formation, n’était pas une évidence. Le London Jazz Composers’ Orchestra allait bientôt souffler ses vingt bougies et comptait en son sein la fine fleur du jazz libre britannique : Howard Riley, Evan Parker, Marc Charig, Paul Rutherford pour n’en citer qu’une poignée. Cette pièce musicale d’ampleur fut réinterprétée par la suite dans quelques festivals mais il devint difficile et coûteux de faire tourner ce grand orchestre malgré le support du British Council.
Au Manggha Hall de Cracovie le 8 mars 2020, une nouvelle équipe européenne réinterprétait cette composition, d’où le titre Harmos - Kraków. La trame musicale est respectée mais la masse orchestrale hérite de nouvelles couleurs. Seuls subsistent de l’enregistrement original Barry Guy, Simon Picard, Alan Tomlinson, Henry Lowther et Phil Wachsmann . Ils sont ici entourés par de nouveaux noms. Une certitude s’impose : ces nouvelles contributions ne font qu’accentuer le dynamisme de la composition originale. Les improvisations y prennent d’autres tournures et témoignent des fortes personnalités qui entourent Barry Guy.
Les déflagrations des trombones précèdent la sublime mélodie qui s’installe aux alentours des deux minutes. Harmos devient synonyme d’une harmonie céleste qui converge vers un monde meilleur. Un contraste saisissant s’opère autour de la onzième minute et suspend la musique, alors que rapidement une séquence bavaroise va bouleverser les codes musicaux. L’identité stylistique de l’orchestre est revigorée avec les envolées remarquables de la section rythmique composée de Bruno Chevillon et Lucas Niggli. Aux environs de vingt-huit minutes, le lyrisme d’Agustí Fernández s’épanche, tour à tour aérien et pourvoyeur de syncopes extatiques. Le pianiste anticipe le vent de liberté collective qui déferle bientôt, alors que la mélodie entêtante ressurgit peu avant le final émouvant.
La qualité artistique des instrumentistes demeure stupéfiante. Torben Snekkestad perpétue l’esprit d’Evan Parker tout en régénérant la conception du souffle continu au saxophone, le tuba de Marc Unternährer épouse les sinuosités de l’écriture avec finesse. Tous ces interprètes transfigurent l’œuvre originale en lui apportant une plasticité inédite. Les pulsations fluctuantes qui déferlent dans Harmos - Kraków font du London Jazz Composers Orchestra le digne héritier des orchestres de Duke Ellington, Charles Mingus et Michael Mantler - la modernité n’étant alors rien d’autre que l’anticipation des lendemains.
English Translation of Mario Borroni's review:
Harmos, a forty-three-minute anthem, was recorded by Peter Pfister on April 4 and 5, 1989 at Radio Studio DRS in Zurich and then released on CD by Intakt. Barry Guy imposed an identifiable style, which, for a great band, was not obvious. The London Jazz Composers' Orchestra was about to blow out its twentieth candles and included the cream of British free jazz: Howard Riley, Evan Parker, Marc Charig, Paul Rutherford to name but a handful. This large-scale piece of music was later reinterpreted in a few festivals, but it became difficult and expensive to tour this large orchestra despite the support of the British Council.
At the Manggha Hall in Krakow on March 8, 2020, a new European team reinterpreted this composition, hence the title Harmos - Kraków. The musical framework is respected but the orchestral mass inherits new colours. Only Barry Guy, Simon Picard, Alan Tomlinson, Henry Lowther and Phil Wachsmann remain of the original recording. They are surrounded by new names here. One thing is certain: these new contributions only accentuate the dynamism of the original composition. The improvisations take other turns and testify to the strong personalities that surround Barry Guy.
The deflagrations of the trombones precede the sublime melody that settles in around two minutes. Harmos becomes synonymous with a celestial harmony that converges towards a better world. A striking contrast takes place around the eleventh minute and suspends the music, while quickly a Bavarian sequence will upset the musical codes. The stylistic identity of the orchestra is reinvigorated with the remarkable flights of the rhythm section composed of Bruno Chevillon and Lucas Niggli. At around twenty-eight minutes, Agustí Fernández's lyricism pours out, alternately airy and providing ecstatic syncopations. The pianist anticipates the wind of collective freedom that soon breaks through, as the heady melody resurfaces shortly before the moving finale.
The artistic quality of the instrumentalists remains astounding. Torben Snekkestad perpetuates the spirit of Evan Parker while regenerating the concept of continuous breath on the saxophone, Marc Unternährer's tuba follows the sinuosities of the writing with finesse. All these performers transfigure the original work by bringing it an unprecedented plasticity. The fluctuating pulsations that surge in Harmos - Kraków make the London Jazz Composers Orchestra the worthy heir to the orchestras of Duke Ellington, Charles Mingus and Michael Mantler - modernity being nothing more than the anticipation of tomorrow.
